Dirección: Silvia Gómez Giusto

17 y 24 de junio – 23.00h
Espacio Callejón, Humahuaca 3759

Del 10 al 26 de junio 2016
Varias salas

En el marco de la segunda edición del Festival Internacional de Dramaturgia Europa + América, especializado en el montaje de literatura dramática extranjera presenta, once directores de la escena teatral argentina estrenarán once obras de los más destacados autores del panorama internacional. De este modo, se podrá conocer en Argentina la dramaturgia de autores provenientes de Alemania, Austria, Brasil, Croacia, España, Francia, Italia, Polonia, Rumania, Suiza, y Uruguay.
El festival cuenta con la curaduría y dirección de Matías Umpierrez, y con la producción de EUNIC (European Union National Institutes for Culture), en coproducción con Embajadas e instituciones culturales de Europa y América y salas independientes del circuito teatral de la Ciudad de Buenos Aires.

Sinopsis de Un hombre con gafas de pasta
Aina tiene treinta años y sueña con ser escritora, pero no se atreve. Acaba de ser abandonada por su pareja. Laia y Oscar la quieren animar para que aproveche la oportunidad y haga realidad sueños que había aparcado: escribir. Traerán a cenar a casa de Aina a Marcos, un poeta muy intelectual que les tiene fascinados con su palabrería. Aunque todo empieza como una agradable velada entre amigos, pronto Marcos, el hombre con gafas de pasta, un hombre amable y educado, empezara a comportarse de forma extraña y a mostrar su verdadero rostro.
Desde el primer momento la obra atrapa, el entorno resulta ideal, y la acción se desarrolla de forma ágil, avanzando sin revelar nunca demasiada información de golpe, manteniendo la tensión a medida que somos testigos de unos acontecimientos en principio desconcertantes. La diversión y el misterio van de la mano y hacen de esta, una propuesta muy interesante, de la que es mejor no desvelar nada mas para que cada uno lo disfrute en primera persona toda la intriga.

Jordi Casanovas (Vilafranca del Penedès, 1978) es dramaturgo y director teatral. Director de la compañía FlyHard, de la que fue fundador, desde 2005 hasta
2013. Fundador y director artístico de la SALAFlyHard desde la temporada 2010-2011 hasta 2013. Estudios de Ingeniería Superior de Telecomunicaciones 1996 – 2001. Estudios de la Licenciatura de Bellas Artes. 2001 – 2005. Profesor de dramaturgia en el Institut del Teatre, Eolia y Escac. Ha escrito una treintena de textos teatrales. Ha obtenido el Premio Ciudad de Valencia por Estralls, el Premio Ciudad de Alcoy 2005 con Beckenbauer, el Premio Marqués de Bradomín 2005 con Andorra y Josep Robrenyo 2002 con Las mejores ocasiones. La trilogía compuesta por Wolfenstein, Tetris y City / Simcity recibió el Premio de la Crítica de Barcelona a la revelación de la temporada 2006-07, el premio Crítica Serra d’or al mejor texto teatral de 2006 y nominaciones a los Premios Butaca y los premios Max. Premio Butaca al mejor texto teatral de 2009 por La Revolución. Premio Time Out a la mejor obra de 2011 por Un hombre con gafas de pasta. Premio Butaca al mejor texto teatral de 2011 por Una Historia Catalana. Premio Ciudad de Barcelona de teatro por Patria.

Silvia Gómez Giusto comenzó su carrera como coreógrafa e intérprete en danza y teatro. En 2011 su primera obra Irreal es seleccionada en el ciclo Óperas  primas del Centro Cultural Rojas y a partir de allí inicia su labor como dramaturga y directora. Le siguieron El origen, siete vidas y en 2016 estrenará INDIA, también de su autoría, obra con la que obtuvo el Premio Artei 2016. También es Directora Artística de Vicente López en Escena – Festival de Teatro en espacios inesperados y curadora del ciclo de teatro y seminarios York en Escena, ambos para la Secretaría de Cultura de Vicente López. Para su formación y producción de obra ha recibido becas y subsidios del Goethe Institute, Freiburg Theatre (Alemania), Fondo Nacional de las Artes, Fondo de Cultura del Gobierno de la Ciudad e Instituto Nacional de Teatro entre otros.

Ficha artística
Autor: Jordi Casanovas
Elenco: Ramiro Agüero, Paula Manzone, Paula Marull,
Marcelo Melingo.
Diseño de escenografía: Matías Sasaki
Diseño de iluminación: Leo D´Aiuto
Diseño de vestuario: Peta Acevedo
Selección musical: Aliana Alvarez Pacheco y Silvia Gómez Giusto
Asistencia de dirección y producción artística: Aliana Alvarez Pacheco
Dirección: Silvia Gómez Giusto

Con el apoyo de la Cooperación Española se proyectará la película Loreak (2015) de Jose Maria Goenaga
10/05/2016 – 18.30h Alianza Francesa
20/05/2016 – 19.00h Kino Palais, Palais de Glace

Se cumplen 13 años de este festival en el que España, como Estado Miembro de la Unión Europea participa desde su primera edición con películas de diverso contenido, temática y estética que dan cuenta de la creatividad, talento y profesionalidad de nuestros creadores y la repercusión que nuestro cine tiene en el público argentino y, específicamente también en esta muestra.  Celebramos esta nueva edición con fuerzas renovadas y seguimos apostando a una distribución más integral de nuestra cinematografía en este país.  Tanto el público que colma las salas como nuestro cine se lo merecen.

Ver Programación

Loreak es la segunda película dirigida por el tandem José María Goenaga-Jon Garaño, considerados referentes del nuevo cine vasco.
Se estrenó en España con muy buena recepción por parte del público y gran interés de la crítica y los medios, y también obtuvo gran repercusión su proyección en la Argentina durante Espanoramas 2016 Muestra de Cine Español.
Una historia de vidas cruzadas, rodada en euskera. Se estrenó en el 62º Festival de Cine de San Sebastián, donde fue nominada a la Concha de Oro. Fue seleccionada por la Academia del Cine español para competir como candidata española en la LXXXVIII edición de los Premios Oscar en la categoría de Mejor Película de Habla no inglesa, y convertirse así en el primer filme en euskera que representará a España en los Oscar, después de haber sido también el primer filme en lengua vasca que competía al premio de mejor película en los Goya.
Sinopsis: La vida de Ane da un giro cuando semanalmente comienza a recibir de forma anónima un ramo de flores en su casa. Por su parte, las vidas de Lourdes y Tere también se ven afectadas por unas misteriosas flores. Un desconocido deposita cada semana un ramo en memoria de alguien que fue importante en sus vidas. La historia de tres mujeres, tres vidas alteradas simplemente por unas flores. Flores que harán brotar en ellas sentimientos que parecían olvidados.

Organiza: Fundación Shakespeare Argentina 
Con el apoyo de la Cooperación Española

El Teatro Completo de William Shakespeare 
Un diálogo con la periodista cultural Flavia Pittella
8 de mayo – 20.00h
Sala Alfonsina Storni, Pabellón Blanco, 42º Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, Predio La Rural

La relación Cervantes – Shakespeare: algunas observaciones españolas
Conferencia
Presentan: Mercedes de la Torre y Carlos Drocchi
16 de mayo – 19.00h
Museo del Libro y de la Lengua de la Biblioteca Nacional, Auditorio David Viñas, Av. Las Heras 2555

Ángel Luis Pujante es Profesor Emérito de Filología Inglesa de la Universidad de Murcia. Es uno de los más reconocidos académicos y traductores de Shakespeare de habla hispana. Sus traducciones están publicadas en la colección Austral de Espasa y recogidas en los tres tomos del Teatro completo de Shakespeare de Espasa Clásicos (2010-2015).

Ver también Día de España en la Feria
Ver también Santiago de Compostela Ciudad Invitada en la Feria del Libro

8 de mayo 2016 – 17.00h
Stand del Gobierno de la Ciudad, 42º Feria Internacional del Libro de Buenos Aires

Con el apoyo de la Cooperación Española

A partir de “El retablo de Maese Pedro”, uno de los capítulos emblemáticos de la segunda parte de “Don Quijote de La Mancha”, se les propondrá a los chicos que hagan su versión de la escena en el formato de la historieta, después de que el dibujante Carlos Aón les haya dado ciertas pautas sobre las herramientas y funcionamientos de la narración secuencial.
Narradora: Cristina Chillida

Sinopsis del pasaje del Quijote «El retablo de Maese Pedro». Maese Pedro llega a una venta con su retablo, teatrillo portátil de marionetas, para representar la liberación de Melisendra. Su atracción principal es el mono que lleva con él, al que ha entrenado para que se le suba al hombro y se le acerque al oído como si le hablara. Posteriormente, maese Pedro repite las palabras del mono, que supuestamente puede ver sucesos pasados y presentes, mas no futuros. Reconoce a Don Quijote y Sancho Panza, que no le reconocen a él, y les convence de estos poderes del mono. Cuando representa su drama, Don Quijote se vuelve loco pensando que es cierto lo que ocurre y le destroza los títeres.

Versión libre de El casamiento engañoso de Miguel de Cervantes en el marco del proyecto Teatros ejemplares

(Ver+)

28 y 30 de abril 2016 – 21.00hs
Centro Cultural Rector Ricardo Rojas, Av. Corrientes 2038

Teatros ejemplares es un proyecto literario y escénico, en el que diecinueve reconocidos y destacados dramaturgos de la escena actual iberoamericana rinden homenaje al célebre autor a partir de sus Novelas ejemplares.

El proyecto escénico, al igual que el literario, tiene carácter internacional. Países como Paraguay, Perú, Estados Unidos y Chile cuentan con elencos que están trabajando varios de los textos, acompañados por los dramaturgos, que apoyan las creaciones invitados por los Centros Culturales de España de cada uno de los países. En el caso de Argentina, Bolivia y Uruguay contarán con las puestas de los dramaturgos, que, en el rol de directores, llevarán a escena sus propias creaciones. Lo mismo sucederá en España, donde los dramaturgos dirigirán y/o facilitarán sus textos para puestas en diversos espacios y festivales. En todos los casos, dramaturgos y Cooperación Española contarán con socios locales de excepción, en un despliegue de la escena iberoamericana.

Sinopsis de Perra vida. Peralta es comercial. que viaja de un lugar a otro y hace un alto en un lugar de carretera Allí se encuentra con Campuzano, antiguo compañero de la Legión. Campuzano ha cambiado, y mucho. Lorenzo, joven y guapo, es dueño del bar. Su mundo comienza a tambalearse cuando contrata a Estefanía, una camarera exigente que lo ve venir de lejos. Lorenzo se enamora perdidamente de ella… Y finalmente ella de él. O eso parece. Viajaremos con estas dos parejas, a un lugar de no retorno y de carreteras perdidas.

Jose Padilla es licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático (RESAD). Le ha sido concedido el Premio Ojo Crítico de Teatro de Radio Nacional de España 2013 y el Premio Réplica a mejor autoría canaria por su obra Porno Casero. Ha traducido y adaptado Reventado de Sarah Kane o Have I none [Otro no tengo] de Edward Bond. Entre sus títulos originales encontramos En el cielo de mi boca o Cuando llueve vodka. En la primera edición del certamen Almagro Off presenta su dramaturgia Malcontent que obtiene una mención especial del jurado. En 2012 estrena una versión de Enrique VIII de William Shakespeare en el Globe Theatre de Londres. Su adaptación de La importancia de llamarse Ernesto de Oscar Wilde, llevada a cabo junto a Alfredo Sanzol, fue nominada a mejor espectáculo revelación en los Premios Max. En abril de 2013 codirige su obra Sagrado Corazón 45 para La Casa de la Portera. Sus trabajos también comprenden la escritura y dirección de dos obras: Los cuatro de Düsseldorf [#DÜSSEL4] estrenada en el Sol de York y Haz clic aquí para el Centro Dramático Nacional con estreno en La Sala de La Princesa del Teatro María Guerrero en diciembre de 2013 y posterior reposición en octubre de 2014. Esta pieza, además, forma parte del repertorio de obras del Teatro del Arte de Moscú. Actualmente dirige la adaptación de La isla púrpura de Mijáil Bulgákov, estrenada en octubre de 2015 en el Teatro Guimerá de Santa Cruz de Tenerife, España.

+Ver también Taller de dramaturgia dictado por Jose Padilla

23 de abril 2016 – 18.00h
Sala Victoria Ocampo, Pabellón Blanco, Predio ferial La Rural

Organizan: CCEBA y British Council

En el 2015, después de 14 años de trabajo, el escritor español AndrésTrapiello publicó una traducción del Quijote al «español actual». El mismo año, el prestigioso Oregon Shakespeare Festival encargó a un grupo variado de dramaturgos la modernización del inglés en las obras shakespereanas de su programa teatral. El objetivo fue el de revitalizar la relación del público contemporáneo con los autores clásicos. En ambos casos, la polémica no se hizo esperar. Algunos, en una y otra lengua, interpretaron la modernización como un intento facilista que despoja al original de su potencia expresiva y convierte al lector en un consumidor holgazán de textos que, por su complejidad, requieren esfuerzo. Otros, quizás más sensibles a la diversidad de razones por las que un lector elige o no leer un libro, aplaudieron estos intentos de acercar a Cervantes y a Shakespeare a un público amplio, muchas veces intimidado o incluso ahuyentado por una lengua de hace ya cuatro siglos.
Los panelistas de esta mesa reflexionarán sobre este tema porque la discusión no está saldada. Y porque, en gran parte, estos desacuerdos testimonian la vigencia del interés por estos dos autores centrales de la literatura occidental, que siguen despertando pasiones.

Karina Galperin es profesora de literatura en el departamento de Historia de la Universidad Di Tella. Hizo su doctorado en la Universidad de Harvard. Se especializa en la literatura y el arte de la temprana modernidad ibérica, sobre la que enseña e investiga. Publicó sobre Cervantes, sobre épica del siglo XVI, sobre León Hebreo, así como también sobre la relación entre arte, inquisición y política.

José Manuel Lucía Megías, catedrático de la Universidad Complutense de Madrid, Presidente de honor de la Asociación de Cervantistas y titular de la Cátedra Cervantes de la Universidad Nacional del Centro, es uno de los mayores estudiosos de la obra y de la vida de Cervantes. Es el director del Banco de imágenes del Quijote (www.qbi2005.com). Ha publicado diversos libros sobre el tema: Leer el Quijote en imágenes (Madrid, 2006), Miguel de Cervantes Saavedra, natural de Alcalá de Henares, con ilustraciones de Rep (Azul, editorial Azul, 2009), y una edición del Quijote ilustrada por Miguel Rep (Castalia, 2009). Acaba de publicar el primer tomo de una nueva biografía cervantina: La juventud de Cervantes: una vida en construcción (EDAF, 2016). Es el comisario de la exposición «Miguel de Cervantes: de la vida al mito» (Madrid, Bibliotca Nacional de España, marzo-mayo 2016), uno de los actos centrales de la celebración cervantina en todo el mundo.

Carlos Gamerro es autor de las novelas Las Islas (1998), El sueño del señor juez (2000), El secreto y las voces (2002), La aventura de los bustos de Eva (2004), Un yuppie en la columna del Che Guevara (2011), Cardenio (2016) y los cuentos de El libro de los afectos raros (2005). Sus ensayos incluyen El nacimiento de la literatura argentina (2006), Ulises. Claves de lectura (2008), Ficciones barrocas (2010) y Facundo o Martín Fierro (2015). Sus novelas han sido traducidas al francés, inglés y alemán.

+Ver también Actividades de Ángel Luis Pujante en Buenos Aires
+Ver también Santiago de Compostela Ciudad Invitada de la Feria

Con el apoyo de la Cooperación Española y de Acción Cultural Española (AC/E)

Por cuarto año consecutivo, Timbre 4 y el Festival Temporada Alta de Girona se unen para desarrollar una nueva exhibición teatral veraniega en Buenos Aires.

Bajo un clima festivo, creativo y lúdico, se presentan  creaciones artísticas con diversas temáticas inspiradoras y desafiantes, que tienen como eje central al teatro catalán con propuestas que se presentan por primera vez en Argentina.

Esta nueva edición incluirá también producciones de México, Uruguay y Chile.

Ver programación AQUÍ

Producciones catalanas

Informe para una academia (un cuento de Franz Kafka), con dirección de Xavier Ricart e Ivan Benet. La obra aborda la vida de un simio africano que se humaniza y triunfa en el mundo del espectáculo. Descifrando los rebotes contemporáneos, como la crisis del hombre y la angustia del individuo en una sociedad opresora y pervertida, el personaje destacará lo que ha ganado y perdido en su proceso de humanización.

Baro d’Evel Cirk es una de las compañías de circo joven más reconocidas de Europa, con un lenguaje poético que fusiona clown, equilibrio y danza, el dúo franco-catalán, Camille Decourtye y Blai Mateu Trias. Presenta El vacío del otro, una obra que cuestiona una zona del subconsciente que el cuerpo revela. Una ironía sobre las partes que tenemos que dejar vacías para que el otro tenga espacio.

Mi gran obra (un proyecto ambicioso). David Espinosa presenta el espectáculo con un formato muy especial y original. Espinosa trabaja con figuras en miniatura y cuestiona, a través de sus personajes, el sentido de los grandes proyectos de creaciones artísticas. Una posible mirada sobre aquellas producciones que manejan elevados presupuestos pero cuyo valor cultural es poco demostrable.

Además, Temporada Alta ofrece el conocido y esperado Torneo de dramaturgia transatlántico. Este año participan dos textos argentinos seleccionados por el dramaturgo Mauricio Kartun y desde Cataluña se presenta, el texto ganador y el finalista de la última edición del Festival Temporada Alta en Girona. La autora catalana, revelación de los últimos años, Clàudia Cedó presenta D.N.I. y el actor catalán Ramon Madaula participa con El electo. El objetivo es motivar y apoyar la escritura teatral, presentar los textos al público y de este modo poner en contacto para su conocimiento e interacción a dramaturgos de diversas culturas.

Otras obras, otras compañías
Está escrita en sus campos de Francisco Barreiro, por Lagartijas tiradas al sol (México)
Groenlandia, de Pauline Sales, con dirección de Ángela Cabezas, por La máquina del arte (Chile)
Ye Katherina, de Macarena Losada, con dirección de Felipe Rubio, por The Naidens Compañy (Chile)
Lo que los otros piensan, dramaturgia y dirección de Domingo Milesi (Uruguay)

El ideal infinitamente variable de lo popular
Exposición
Curadores: Cuauhtémoc Medina, Ferrán Barenblit, Amanda de la Garza.

Inauguración: 12 de diciembre 2015
Fundación PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929
Hasta marzo 2016

Un proyecto del CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, el MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Autónoma de México y la Fundación PROA, Buenos Aires.

El ideal infinitamente variable de lo popular cuenta con el apoyo de la Cooperación Española y del
British Council para su itinerancia internacional.
Auspicia: Tenaris – Organización Techint

Descargar catálogo de la exposición aquí

La exposición El ideal infinitamente variable de lo popular busca hacer una revisión de la obra de Jeremy Deller incorporando obra temprana así como reciente, considerando que es la primera exposición de este tipo que se presenta en los países de habla hispana. En su trayectoria destaca una reflexión sobre la cultura inglesa y sus contradicciones históricas y políticas, en el marco de una sociedad capitalista post-industrial y multicultural. En la obra seleccionada se hace patente como Deller constantemente se aleja de la producción objetual para dar lugar a acciones colectivas, que surgen desde el interior de la esfera artística para después exiliarse de ella. Presenta una visión crítica con respecto a los medios de producción artísticos y el circuito autorreferencial del arte.

Está articulada a partir de tres núcleos: «They fucked you…», Una pequeña selección de obra temprana, «Historias de mineros» y «Un artista del pueblo», los cuales ensamblan diversos intereses temáticos en su obra, tales como: el circuito del arte, la cultura popular británica y la cultura obrera en Inglaterra, al mismo tiempo que reconstruyen los diversos caminos que ha tomado la obra de Deller. Su aproximación hacia lo popular, y por otro lado, hacia la cultura pop de los año 90, está atravesada por el humor. La cultura popular inglesa es representada a partir de sus estereotipos, como una manera de invertir este mismo signo. Deller se apropia de símbolos, iconos, objetos y modos de circulación de la cultura popular. De tal suerte que su introducción en el circuito del arte aparece como un intento de borrar la separación entra baja y alta cultura, o bien de una contaminación mutua entre ambas estéticas y modos de circulación.

Otra de las vertientes de su trabajo, presente en la exposición, se liga al problema de la historia. A partir de la recreación de situaciones relacionadas con eventos históricos indaga sobre la relación entre arte, memoria e historia, como se hace evidente en piezas icónicas como The Battle of Orgreave (An Injury to One is an Injury to All), 2001, o bien, a través del rescate de personajes que encarnan desplazamientos culturales, tales como So Many Ways to Hurt You (The Life and Times of Adrian Street), 2010, pieza en la que retrata la vida de un luchador profesional travesti, quien proviene de una familia de mineros de carbón. Un aspecto importante de la obra de Deller implica la construcción de diversas instancias de interacción colectiva, en donde surge la pregunta respecto de las posibilidades e imposibilidades de lo colectivo, y sobre cuál es el papel del arte en la configuración de estos escenarios y colectividades.
…
Jeremy Deller (Londres, 1966) es un artista que se pregunta por las  paradojas de la cultura popular, en particular de la cultura británica en el marco de una sociedad post-industrial. Estas paradojas no son solamente algo que existe en las manifestaciones vernáculas, en el folclore, o en el espectáculo sino que es algo que puede ser propiciado desde el arte. El arte es capaz de producir escenarios, vivencias, momentos de colectividad, donde las paradojas, los recovecos, las fisuras no se resuelven sino que se vuelven productivas. Desde la  década de los 90 ha generado una serie de prácticas y acontecimientos en los que están operando los diversos deseos y tensiones sociales, así como las diferentes representaciones existentes en torno a la identidad, la historia y la comunidad.

Deller ha desarrollado en su obra una singular forma de arte público, o como diría Dawn Ades, tiene un interés en la vida pública de Gran Bretaña más que en el arte público. Se aleja de aquellas prácticas artísticas que buscan producir instancias comunitarias bajo las paredes blancas del museo. En su lugar, ha adoptado el espacio público, en sentido amplio, como el lugar desde donde preguntarse por cómo se configuran los signos y símbolos de lo popular, las relaciones entre baja y alta cultura, por la manera en que circula la cultura de masas y la de la clase media, sobre la fluidez de la cultura pop y la música, como vehículo de energías sociales inagotables. La fiesta, el aburrimiento, la no-acción, el extrañamiento y la diferencia social aparecen como medios de producción artística.
http://www.jeremydeller.org/

10 de septiembre 2015
18.00h Más osmótico que consciente. Conversatorio de Chus Martinez con Inés Katzenstein
19.00h Inauguración de la exposición
MALBA, Sala 1, Av. Figueroa Alcorta 3415
Hasta el 15 de febrero 2016 (Fecha de cierre prorrogada)

Curadora: Chus Martínez
Artistas: Federico Manuel Peralta Ramos, William Wegman, Lutz Mommartz, Eduardo Navarro, Takeshi Murata, Jon Rafman, Petra Cortright, Charles Atlas.

La exposición gira en torno a la idea de vincular la obra Nosotros afuera, de Federico Manuel Peralta Ramos, con las investigaciones de Douglas Engelbart, el padre del hyperlink (hipervínculo). Ambos, alrededor de la misma fecha, a mediados de los años 60, se dieron cuenta del problema de la línea recta. No hay un comienzo y un final de frase que dote a las palabras de orden y sentido. Al igual que el hyperlink, el huevo es un monumento simbólico del final de toda línea recta, una forma elíptica que contiene todo tipo de energías curvas en continuo movimiento y que genera diversas conectividades entre materia orgánica, simbólica, estética y semántica: el origen de la vida. Una vida nueva con una lógica también nueva. El huevo y el hyperlink pertenecen a la misma familia, ambos son el anuncio de una forma distinta de navegar por el sentido de las cosas.
Dice la curadora, Chus Martínez: “Esa nueva forma de vínculo, fundamental para este siglo que aún está empezando, es lo que yo llamo ´Era Metabólica´. Aficionados como somos a la territorialidad temporal, tras la Modernidad acontece este nuevo tiempo. Esta pequeña muestra lo anuncia. De hecho, no necesitamos más. Lo importante es hacerlo desde aquí, desde Argentina, desde el espacio más interno más recogido del MALBA, y de la mano del artista más cándido y visionario. Se exhibirá un conjunto de obras –la mayoría en video– llamadas por el camino de una nueva inocencia estético-epistemológica cuya una misión es convencernos de que debemos empezar a educarnos, ya no en el ejercicio crítico, sino en la abundancia propositiva de ideas y mundos. Eso es el ahora del mañana».

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RAQs Media Collective
Exposición
Curadores: Ferran Barenblit y Cuauhtémoc Medina

Un proyecto del CA2M, Centro de Arte Dos de Mayo de la Comunidad de Madrid, el MUAC, Museo Universitario de Arte Contemporáneo de la Universidad Autónoma de México, Fundación PROA y la Cooperación Española.
Auspicia: Tenaris, Organización Techint.

Del 26 de septiembre al 22 de noviembre 2015
Fundación PROA, Av. Pedro de Mendoza 1929
26/09/2015 – 17.00h Inauguración
27/09/2015 – 16.00h Encuentro de los artistas de RAQS con los curadores
17/10/2015 – 17.00h Conversación con Pablo La Padula y Laura Malosetti, en el marco de Ciclo Artistas y Críticos (Ver+)

Es posible porque es posible reúne un conjunto de piezas de Raqs Media Collective, grupo artístico creado en 1992 por Jeebesh Bagchi (1966), Monica Narula (1969) y Shuddhabrata Sengupta (1968). Raqs Media Collective, afincado en Nueva Delhi, es un laboratorio de pensamiento que propone la estética como punto de partida para una reflexión social y política. Actualmente, el colectivo Raqs realiza instalaciones y performances así como proyectos editoriales, de comisariado y programas educativos desde diferentes prácticas como la sociología, la geografía, las matemáticas, el diseño industrial o el urbanismo. El origen de su nombre tanto hace referencia a la palabra usada en persa, árabe y urdu para definir un estado de meditación, como al acrónimo en inglés «Rarely Asked Questions», -cuestiones raramente preguntadas-, un guiño a las FAQS «Frequently Asked Questions»- que encontramos en muchas páginas web.

‘Es posible porque es posible‘ es una afirmación irrefutable contra cierto determinismo derrotista. Este título se convierte pues en un llamamiento o una especie de acto manifestatario. Frente a la indeterminación de aquel I would prefer not to (Preferiría no hacerlo) del personaje creado por Melville, en su obra Bartleby, el escribiente, «Es posible porque es posible» es una afirmación rotunda, casi un imperativo, sobre la posibilidad de pasar de la potencia al acto. Para el colectivo Raqs, posible y probable son conceptos lejanos: aquello que se imagina puede llegar a ocurrir, porque, de hecho, ya está ocurriendo al ser enunciado. Una posibilidad que rompe muchas de las certezas que habitualmente asumimos de forma acrítica y que nos conducen por el laberinto del pensamiento único. En este sentido la exposición analiza la obra de Raqs Media Collective como una de las posibilidades de la práctica, la crítica y la invención, así como una refutación en vivo de cierto determinismo al que parece estamos abocados. Esta «posibilidad» se convierte también en un revulsivo contra la aparente obligación de aceptar las imposiciones, con resignación o sin ella.

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RAQS Media Collective